domingo, 18 de diciembre de 2016

Mohair, lustroso y cálido como la Navidad


El mohair se extrae de la cabra de Angora, un animal con aspecto de peluche. El pelo de la cabra de Angora es similar a la lana de las ovejas, pero mucho más suave, fino y brillante, además de tener mejor capacidad aislante. 
Sudáfrica es el principal productor de fibra de mohair del mundo, aunque pueden comprar la producción de cabras criadas en otros lugares, tales como Neuquén (Argentina). El hemisferio sur concentra la mayor cantidad de cabras de Angora, con permiso del estado de Texas. Sin embargo, este animal originario del Tibet se criaba solo en Ankara (Turquía) hasta mediados del XIX. De hecho, el término mohair procede de vocablos turcos y árabes, que mezclan los significados “el mejor vellón” y “un paño de pelo de cabra”. La falta de impurezas, así como las fibras muy brillantes y uniformes, hacen tan apreciado al mohair sudafricano
Manta mohair. www.mantasezcaray.com

Fibra de mohair.www.mountaincolors.com
Madeja de mohair.www.yarn.com
Manta de mohair. Ezcaray.
La fibra de mohair abriga mucho y presenta un gran lustre. Puede tejerse en telar o utilizarse para fabricar tejidos de punto, incluso se aplica en la fabricación de muñecos de peluche.  Se trata de una fibra muy elástica, lo que la hace resistente a las arrugas. También tiene la particularidad de repeler el polvo y mezclada con alpaca o cashmere incrementa su suavidad.
El pelo de las cabras de Angora jóvenes es más fino y, por ello, se utiliza en la confección de ropa, destinándose las fibras provenientes de cabras viejas a la fabricación de alfombras y prendas de más abrigo. La fibra más fina entre la sutileza del todo el mohair se denomina Kid mohair y procede de la primera esquila, realizada antes de que el animal cumpla diez meses. Ermenegildo Zegna es el mayor comprador de Kid mohair procedente de Sudáfrica, adquiriendo el 50% de dicha producción.
En España, la empresa familiar Ezcaray (La Rioja) produce mantas de mohair desde 1.930. Tiene modelos a cuadros, colores lisos, degradés muy modernos y tartanes. Usan artes tradicionales en el lavado y teñido de la lana, así como en el acabado de los tejidos. Trabajan con maestros cardadores, tundidores, tintoreros y tejedores, en una experiencia acumulada que se remonta al siglo XV.

Si tenéis la suerte de contar con una bufanda o jersey de mohair, lavadlo siempre en agua fría, a mano y con un jabón suave. Propongo plan navideño: chocolate caliente, película de los 50 y manta de mohair en el sofá. ¡Feliz Navidad!
Mohair verde aguacate.www.eweandmeyarns.com
Telar Ezcaray (La Rioja, España)

Cabra de Angora. styleblazer.com


Mohair is made by Angora goats hair. It’s an extremely soft and thin yarn with a natural warming power. Angora goats come from Tibet and until the XIX they were only raised in Ankara (Turkey). Nowadays South Africa is the main producer of mohair yarn in particularly pure and bright threads.Young goats produce the finest mohair, called Kid mohair, used to manufacture clothes. Thicker threads are destined to carpets.  The word mohair comes from the Arabic "mukhayyar" which means "best fleece". Today, Ermenegildo Zegna buys most of the best Kid mohair from South Africa.
In Spain we find the family industry Ezcaray, manufacturing mohair blankets in a traditional way since 1.930.
I wish you have a Merry Christmas laying on the sofa with a warm mohair blanket.





Fuente y fotos:
elfederal.com.ar
es.wikipedia.org
tejer.about.com
www.mantasezcaray.com
www.zegnagroup.com
norit.es
www.honorwoodflocks.co.uk


miércoles, 23 de noviembre de 2016

Exquisitas telas y bordados de la dinastía Ming

CaixaForum Palma expone hermosos objetos cotidianos y obras de arte destinados únicamente a los emperadores  Ming y su entorno, moradores de la Ciudad Prohibida. Son porcelanas, pinturas, telas y joyas de gusto exquisito y calidad excepcional, muy por encima de los productos que se enviaban a occidente. Debían pensar que no había que “dar margaritas a los cerdos”. También se producían piezas de menor calidad destinadas a las nuevas clases acomodadas, que surgieron a partir de la comercialización con Europa. 

Wuyi (Nanjing) al anochecer. Bordado de la familia Gu (finales XVI - principios XVII). Nanjing Museum









Un  ejemplo de ello son los primorosos bordados de puntada imperceptible (apenas alcancé a distinguirlas con las gafas puestas), que reproducían pinturas de maestros de las antiguas dinastías. Estos bordados estaban confeccionados por las mujeres de Gu. Eran productos pensados para los comerciantes, enriquecidos con las transacciones a Europa, ansiosos por disfrutar de las mismas bellezas que los funcionarios del Emperador. Pero se consideraba que, dado su nivel cultural, podían soportar piezas de menor calidad. Muchos de estos horribles elementos de nuevo rico me parecieron preciosos, pero brillaban ligeramente (con el perfecto brillo de la seda), lo que no les sucede a las pinturas que realizaban los altos funcionarios como hobby. Ya sabemos que el brillo siempre es un síntoma de que uno está resbalando hacia el mal gusto. Es especialmente hermoso, por la composición despejada y los tonos marrones, el bordado/cuadro “Caballos en pleno baño a la sombra de los sauces”. Son ocho caballos y representan uno de los mitos que rodeaban al rey Mu de la Dinastía Zhou (1.050-256 a.C.), quien quiso ser inmortal llegando al paraíso en un carro tirado por ocho caballos.

Brocado. Periodo Ming. Museo de Nanjing



























La    seda constituía el soporte de las pinturas. Sus autores no eran artistas, según el concepto occidental, sino funcionarios que ejercían este arte como pasatiempo intelectual. Las obras se guardaban enrolladas y eran mostradas a los invitados para amenizar  tertulias, pero nunca en presencia de niños, comerciantes, mujeres y otros seres no capacitados para apreciarlas. Sin embargo, una de estas pinturas muestra a una dama leyendo en el jardín. Las mujeres de la alta sociedad y las concubinas del Emperador tenían un papel completamente inferior y solo debían dedicarse al ocio, la cultura y los niños. Creo que podría acostumbrarme a ese espantoso ritmo de vida.
Por otra parte, los brocados en seda destinados a la confección de prendas se tejían con una densidad de urdimbre excepcional, lo que daba como resultado una tela extremadamente suntuosa y permitía realizar intrincados diseños de brillo particular. En la exposición podemos ver una seda en tono dorado, color que solo podría usar el emperador, con un sutil dibujo de las nubes esquemáticas características del diseño chino. 

Lan Ying. Abanico con representación de orquídeas en flor entre rocas. Finales periodo Ming. Nanjing Museum

 La dinastía Ming, con sus dieciséis emperadores, dominó China entre los siglos XIII  y XVI, aportando un gran desarrollo, como ejemplifica el hecho de que la población aumentara de 65 a 175 millones de habitantes. Las artes vivieron un momento de esplendor. Todas las piezas de esta exposición provienen del Museo de Nankín y nunca se habían expuesto en España. Es interesante ver la preocupación y el gusto por los objetos refinados y elegantes, jamás estridentes. 
“Ming. El imperio dorado” en Caixa Forum Palma hasta el 19 de febrero de 2.017.


miércoles, 19 de octubre de 2016

Osborne&Little

No sé si es por el toro o porque tiene dos oes (como mi apellido), pero me encanta el nombre de esta excelente casa de telas. Entre las colecciones actuales destacaría la que ha diseñado Matthew Williamson para la firma inglesa. Es barroca, rica, colorida y fabricada en tejidos tan suntuosos que reúnen damasco con terciopelo aplicado y bordados, pero todo ello sobre lino, lo que hace que el conjunto no resulte cursi. También hay unas creaciones muy hermosas de Nina Campbell, con interesantes estampados dando un sutil giro moderno a diseños de aire clásico. Por otra parte, los tonos azules de las tapicerías de seda en la colección Mahjon son espectaculares.

Anopura de Lorca en Osborne and Little


Flamingo Club. Diseño Matthew Williamson para Osborne&Little


Butterfly Garden. O&L


Fantasque. Osborne and Little


Pavilion Garden de Nina Campbel para Osborne&Little




Coromandel de Osborne&Little


Diseño Viceroy de Matthew Williamson para Osborne&Little



































































































Los trabajos de Osborne and Little, fundada en 1968 por Sir Peter Osborne y Antoni Little, formaron parte de la exposición "Diseño Británico 1948-2012: Innovación en la Era Moderna" del Victoria&Albert Museum. Little fue el diseñador de la marca y destacó en los años 70 y 80 por sus arriesgadas interpretaciones de diseños clásicos, realizando (en palabras de la especialista en diseño del siglo XX Lesley Jackson) una interpretación de las referencias históricas "lateral más que literal". Diría que esa sutileza de estampados y tejidos se sigue dando actualmente en las fabulosas telas de Osborne&Little.

Diseño Quoits de la colección Mahjong. O&L

Colección Mahjong de Osborne and Little




Rara vez escribo sobre marcas, pero me parece buena idea saber quién está fabricando telas fantásticas hoy en día y (si uno se lo puede permitir) encontrar el lugar donde comprarlas. En España, Osborne&Little no tiene distribuidor oficial (según la información de su web), pero pueden adquirirse sus diseños en Lantero y Lantero, entre otras casas de decoración. De todos modos, tenemos la opción seguir fantaseando con la tapicería de nuestros sueños en Instagram.

Fuentes:

viernes, 9 de septiembre de 2016

Emily Barletta, rojo vital

Para la artista textil Emily Barletta “la labor de ganchillo y el bordado resultaron una forma de arte meditativo, que podía realizar mientras estoy en la cama, que es donde realizo casi todo mi arte”. Su interés por el crochet y la costura están presentes desde la infancia. Posteriormente, estudió arte textil en Maryland Institute College of Art y un severo problema de salud, sobrevenido en la adolescencia, ha ido marcado sus obras de arte.

Emily Barletta. Untitled 1, 2011

Emily Barletta. Plant sleep, 2007

Emily Barletta. Untitled 2. Foto:Austin Kennedy


Emily Barletta. Untitled 11, 2011


Emily Barletta. Pelt 2007

Emily Barletta. Flesh spot, 2007
Emily Barletta. Horizon, 2008


















































































































































































Emily Barletta siente que sería artista en cualquier caso, pero su arte habría tenido otras expresiones si no hubiera vivido esa dura experiencia. “Tengo una enfermedad de la médula, que ha sido siempre una fuerza presente y físicamente dolorosa en mi vida. La mayoría de mi arte bebe este hecho, pero decir que hago arte como terapia sería falso. Hago arte y es terapéutico. Lo que equivale a decir que hago arte y sufro: en lugar de decir que hago arte porque sufro. No puedo separar estas ideas. Los objetos que resultan de ello son las estructuras anatómicas inventadas de mi imaginación y mi biología. Esas estructuras hacen referencia a células venas, órganos, piel, sangre y huesos, pero tienden a expresarse como flores, plantas, tubos, topografías, enfermedades, bacterias, tumores, moho y organismos. Se extienden, derraman, gotean y crecen su camino en la existencia a través de la fibra y la aguja del ganchillo”.
En los trabajos de esta artista textil afincada  en Nueva York abundan los tonos rojos, que dan fuerza y vitalidad a todas sus obras. Utilizando una técnica sencilla, aunque extremadamente cuidad, dibuja bordados tridimensionales y crea obras a caballo entre la pintura y la escultura.
Emily Barletta finalizó sus estudios en 2003 y en el 2007 realizó sus primeras exposiciones en galerías de Nueva York, Washington, Pittsburg y Philadelphia. Aprendió la técnica de crochet y bordado cuando era niña, gracias a su madre y a una vecina. Inicialmente, sus obras de arte estaban bordadas a mano, con profusión de cuentas, pero Emily Barletta quería utilizar una técnica que le permitiera acelerara y agrandar su trabajo, ahí entró en juego el crochet. Sus primeras obras realizadas a ganchillo fueron Roadkill Project y Bury me gently. Actualmente utiliza también otras técnicas para su arte textil, como el cosido de telas usadas. 
Las creaciones de Emily Barletta suponen largos meses de trabajo, creando elementos que reproduce en grandes cantidades antes de ensamblarlos. Sin embargo, no están planificadas, cree que planificar desde un principio da como resultado “bad art”. Esta joven artista textil recuerda a Frida Kahlo, y sus problemas de salud también reflejados en el arte. La mejicana es una de sus artistas más admiradas, junto con Kiki SmithAnselm Kiefer, Dana SchutzFrancesca Woodman y Candy Jernigan, entre otros. 
En la página de Emily Barletta podemos adquirir algunas de sus obras de arte, realizadas con la técnica de bordado: emilybarletta.com



























miércoles, 17 de agosto de 2016

Alfombras boucherouite, arte de las mujeres bereber

Las alfombras bererer boucherouite se han puesto muy de moda. Probablemente, sus vivos colores, tejido "despeinado" y motivos geométricos, que les aportan un aspecto moderno y desenfadado, las llevan a estar presentes en múltiples propuestas de decoración.

Alfombra boucherouite en una decoración elegante
Las alfombras estilo boucherouite se originaron durante los años 60 y 70, cuando los cambios socioeconómicos en las zonas rurales de Marruecos hicieron que la lana ya no fuera el material más utilizado para confeccionar las alfombras domésticas bereberes. Las mujeres sustituyeron esta fibra por trapos, retales y telas usadas de algodón, lana y materiales sintéticos, creando alfombras plagadas de colores vivos, combinados con enorme osadía. A partir de los años 90 se dejaron de utilizar los motivos tradicionales en las alfombras marroquíes, incluso entre las mujeres bereber del Atlas, creando alfombras con motivos "diseñados" a su gusto.
El término "boucherouite" viene del árabe marroquí bu sherweit, que significa trapo usado, recortes de telas usadas. Las alfombras boucherouite suelen tener dibujos geométricos o rayados reflejando, en palabras del experto Axel Steinmann, la “increíble vitalidad creativa, una adaptativa continuación de la cultura textil marroquí, usando medios contemporáneos”. En un principio, las alfombras boucherouite se confeccionaban en las zonas cercanas a las ciudades de Beni Mellal y Boujad, aunque hoy en día se fabrican en todo Marruecos y, a pesar de su uso doméstico original, pueden comprarse ya en muchos lugares.
Las ricas y muy variadas tonalidades de colores, la geometría con trazo inseguro de estas alfombras bereber recuerda a los cuadros de Klee, y constituyen otra muestra de las capacidades creativas que desarrollan las mujeres, aprovechando recursos escasos. Actualmente, las alfombras boucherouite también se manufacturan en fábricas occidentales. Supongo que, como sucede con todo textil, vistas de cerca y al tacto no tendrán absolutamente nada ver que con las creadas a mano. En la página The Anou podemos comprar alfombras boucherouite directamente a las mujeres bereber que las confeccionan.

Decorando con alfombras boucherouite.www.apartmenttherapy.com
Dormitorio decorado con alfombra boucherouite
Alfombras boucherouite.www.beldirugs.com







Alfombra boucherouite en rosas
Alfombra boucherouite con rombos. etsy
Tapizando con alfombras boucherouite. www.paulinaarcklin.net
Alfombra boucherouite en blanco. kemukujara.tumblr.com



Alfombra bereber boucherouite

Fuentes y fotos:







sábado, 23 de julio de 2016

Dorothy Liebes creó telas para Frank Lloyd Wright

La californiana Dorothy Liebes (1899-1972) tuvo una genial vida profesional. Estudió arte, educación y antropología en la Universidad de California (Berkeley), donde una profesora le animó a que aprendiera a tejer y experimentar con diseño textil. Al finalizar sus estudios, Dorothy Liebes trabajó como maestra de escuela, pero, posteriormente, se matriculó para estudiar tejidos en Hull House (Chicago), completando su formación viajando a México, Italia, Francia (Estudio Rodier de París) y Guatemala. Durante estos viajes estudió los sistemas de tejido tradicionales y la influencia de los textiles "primitivos" se aprecia claramente en sus diseños textiles. Así mismo, amplió sus conocimientos con la artista textil Anni Albers.
Dorothy Liebes, diseñadora textil.pinterest

Liebes abrió su primer estudio en 1.930 en San Francisco, a pesar de la oposición de su marido, y al año siguiente ya tenía otro más en Nueva York, ciudad a la que se trasladaría definitivamente en 1.948. Realizaba sus diseños de telas en "arriesgadas combinaciones de color e interesantes texturas", utilizando materiales poco comunes, tales como plumas, plástico, metal, yute, cuero o bambú. El estudio de Dorothy Liebes estaba especializado en telas tejidas a mano para arquitectos y diseñadores de interiores, de la importancia de Frank Lloyd Wright, Edward Durell Stone y Samuel Max. Liebes también fue asesora de color y diseño para empresas como DuPont, Bigelow-Standford y Global Fabrics of Standford, y diseñó para compañías aéreas, navieras, teatros y hoteles, creando tapicerías, paneles divisores en tela, tapices y cortinajes.

Me encanta como viste Dorothy Liebes en la primera fotografía de este post: elegante y excéntrica. Profesionalmente, mantuvo el apellido de su primer esposo, aunque se casaría posteriormente con el periodista Rellman Moran, ganador de un Pulitzer. Considerada la "madre de la moderna tejeduría", tras dedicarse a los tejidos realizados a mano para arquitectos y diseñadores, en los primeros tiempos de su estudio, durante los años 40 y 50 pasó a trabajar en la industria y producción en masa. Asesoró a químicos textiles en el “desarrollo de fibras suficientemente versátiles para producir diferentes texturas, y trabajó con ingenieros y técnicos para desarrollar nuevas máquinas que pudieran reproducir las irregularidades de las telas realizadas en telares manuales”. Entre sus actividades, se incluían las clases de diseño y colorido. No puedo envidiar más esa mezcla de trabajo artístico, artesanal y técnico.

Muestra de textil. Dorothy Liebes

Muestra de textil. Dorothy Liebes
Muestra textil. Dorothy Liebes

Muestra textil Dorothy Liebes

Ya durante su vida, las creaciones de Dorothy Liebes se exponían habitualmente en el MOMA de Nueva York. Otros museos americanos, como el Metropolitan o el Smithsonian guardan archivos, muestras y múltiple documentación sobre esta diseñadora textil americana. La historiadora Alexa Griffith ha escrito una monografía sobre Dorothy Liebes, donde indica que el trabajo de la diseñadora era: “interdisciplinar, multicultural, altamente personal, inherentemente colaborativo y, por encima de todo, lleno de color.” Dorothy Liebes creía que “el diseño es una interpretación de tu experiencia vital”. Muy rica, sin duda, en el caso de esta destacadísima diseñadora de textiles y tejedora.

Textil, Dorothy Liebes
Dorothy Liebes. Cortina para Pabellón DuPont en la Feria Munidal de NY, 1964 .craftcouncil.org

Fuente y fotos:
wikipedia.org
/www.craftcouncil.org
www.metmuseum.org
structureandsurface.org
www.aaa.si.edu

jueves, 23 de junio de 2016

Telas flower power

Quería despedirme de la primavera en un post ligero y lleno de imágenes. Están de moda las telas y alfombras con movitos florares de gran tamaño. Desde las alfombras que diseña Vivienne Westwood para The Rug Company, hasta las audaces telas de House of Hackney, pasando por los algodones y linos estampados de Designers Guild, los textiles se han lanzado a un despliegue de colorido y diseños en grandes formatos sin complejos.
Sedas, algodones y linos, bordadas o estampadas, a continuación os dejo algunas muestras y enlaces a las casas que me han parecido más interesantes. Consiguen diseños con mucho estilo siendo, a la vez, extremos y coloridos.
¡Feliz verano!
Vivienne Westwood. Alfombra de lana Rose Dust.Foto: Pamela Cook/StudioD

Los británicos GP&J Baker en Gaston y Daniela
Amazonas Teresina fabric. Nina Campbell

Hanami, seda bordada. Casamance

Diseño de Baker Lifestyle en Gaston y Daniela
Matthew Williamson summer party
Tela tejida y estampada en Inglaterra. House of Hackney













Fuente y fotos
www.elledecor.com/
www.yahoo.com

jueves, 26 de mayo de 2016

Émile Séguy: insectos y estampados

Escribir sobre Émile Alain Séguy (1877-1.951), usando internet como fuente de información, ha sido muy curioso debido a la dificultad que ha supuesto para intentar llegar a conclusiones serias. En unos casos se afirma que las bellas ilustraciones, reproduciendo a la perfección las características de insectos, fueron realizadas por un entomólogo interesado en aportar ideas a los diseñadores de telas. Otros autores dicen que  se trata de dos personas diferentes: un artista y un entomólogo. Viendo algunos de sus trabajos (Papillons de 1.928 e Insectes de 1.929), parecería que hubiera un único E. A. Séguy, ya que estos álbumes reproducen precisas y coloridas ilustraciones de insectos, junto a propuestas decorativas basadas en ellos. Pero no es así.  

Diseño textil Eugène Séguy. missmoss. Foto: Yale University Library/
He encontrado la solución al lío en la siguiente página francesa: www7.inra.fr. En ella nos aclaran que Émile Alain Seguy, autor de las bellas imágenes de insectos, no era entomólogo sino un artista destacado del Modernismo y el Art déco, que buscaba en la naturaleza inspiración para sus diseños. Había estudiado en la Escuela de Artes Decorativas de París y, tras incorporarse a los grandes almacenes Printemps en 1.913, fundó en ellos un departamento artístico, publicando  catálogos sofisticados  bellamente ilustrados. Émile Alain Séguy se expresó en multitud de campos, tales como el diseño textil, de cerámica, de mobiliario o industrial, siendo en 1.902 el primero en usar laca para decorar muebles. Llevó a cabo un gran número de ilustraciones en estilo Modernista y Art déco, entre finales del siglo XIX y la década de los 30. El objetivo de Séguy era servir de inspiración a los diseñadores de artes decorativas. A este fin produjo álbumes con imágenes reproduciendo elementos de la naturaleza, junto a propuestas de diseño: Les Fleurs et Leurs Applications Decoratives (1902), Bouquets et Frondaisons (1.925), Samarkande20 Compositions en Couleurs dans le Gout Oriental (n.d.), Floreal.Dessins&Coloris Nouveaux (1.925 o anterior), Papillons (1.928), Insectes (1.929), Primavera. Dessins&Coloris Nouveaux (1.929), Suggestions pour Étoffes et Tapis (1.923), Prismes (1.931)*. No solo reproducen insectos sino, también, plantas, cristales y pájaros. En el prefacio de Insectes explica su fascinación por estos animales como fuente de inspiración para el diseño: “…el mundo de los insectos, particularmente los exóticos, comporta un repertorio de formas y de colores de una suntuosa riqueza y de una sorprendente variedad, que parece no haber sido consultada, hasta aquí, más que por accidente (…) los insectos que reproducimos son maravillosos mecanismos en los cuales las piezas se encajan con una precisión, una armonía y una inteligencia que confunden,…”. El artista francés fue documentándose pacientemente, consultando publicaciones científicas, museos y colecciones particulares, reproduciendo los insectos con minuciosa precisión y sirviéndose de ellos para proponer ejemplos de decoraciones.


Émile A. Séguy disfrutó de una respetable notoriedad en su época, sin embargo actualmente se mantiene desconocido por el gran público (situación que, creo, está revirtiendo gracias a redes como Pinterest), aunque los especialistas lo consideran una figura importante del Modernismo y el Art déco. En varias universidades y bibliotecas estadounidenses es posible encontrar las colecciones de ilustraciones y diseños de Émile Séguy, incluso visionar todas las imágenes en sus webs. Así, un artículo de Pattern Observer, escrito por Julie Gibbons, nos remite a la Universidad de North Carolina. Otros lugares interesantes para disfrutar la obra de este prolífico artista son: Yale University Library y The New York Public Library.







































Después de dar muchas vueltas, hasta llegar a varias páginas en francés que aclararan la información, veo que la confusión se deriva de que el nombre se reproduce E.A. Séguy. La “E” significa Eugène, en el caso del entomólogo, y Émile era el Séguy pintor decorador. Según el artículo de INRA el error, probablemente, es debido a un cruce de intereses entre ambos personajes. El diseñador Émile Seguy publicó los cuadernos, anteriormente nombrados, con reproducciones de insectos y mariposas además de  composiciones decorativas. Por su parte, el entomólogo Eugène Seguy empezó su vida profesional como pintor miniaturista y en sus trabajos sobre los dípteros incluyó espectaculares ilustraciones.  

Siento ir contra corriente y cuestionar al dios Google, pero estoy convencida de que consultando una enciclopedia no habría tenido estas dificultades para conseguir información concluyente. Tampoco habría encontrado ilustraciones tan preciosas ni habría sabido de la existencia de los vibrantes y coloristas diseños de Émile Alain Séguy, artista decorativo y figura destacada del Art déco.






































*He incluido la fecha de publicación que se muestra en algunas webs, aunque, en muchos casos, el MET indica que los álbumes de Émile Alain Séguy no están datados. No todas las fuentes aportan los mismos nombres de álbumes ni fechas, así que, cuando he encontrado contradicciones, he dado como bueno lo indicado por el museo.

Fuentes y fotos:
www.missmoss.co.za
blog.patternbank.com
web.library.yale.edu
belovedlinens.net
digitalcollections.nypl.org
www.metmuseum.org
www.artic.edu
www.georgeglazer.com
www.cerclemagazine.com
www.insects.org
www7.inra.fr
www.ursusbooks.com